EN UN MERCADO PERSA

Albert William Ketèlbey (compositor y director de orquesta británico) nació en Birmingham en 1875 y fue un niño prodigio, escribiendo una sonata para piano a los once años que interpretó en Worcester en presencia del joven Edward Elgar, por aquel entonces profesor de música en esa ciudad. Obtuvo una beca para estudiar en el Trinity College of Music de Londres y mientras estudiaba fue nombrado organista de la iglesia de St John de Wimbledon. Cuando concluyó sus estudios se sumergió de lleno en el mundo difícil y agitado de los teatros londinenses de la última época victoriana como director del Vaudeville Theatre. Su obra se dividió entre lo serio (escribió un buen número de piezas para piano con el seudónimo de Anton Vodorinski) y lo popular (arreglos de canciones de comedias musicales), pero la música por la que se le recuerda en la actualidad es la serie de piezas orquestales atmosféricas (descriptivas) que comenzó en 1912 con La melodía del fantasma. Siguió en 1915 la que es quizás la más conocida, En el jardín de un monasterio, un “intermezzo característico”, estableciéndose así un modelo para el resto de obras que alumbró en los años veinte y los primeros años de la década siguiente, como En un mercado persa, una “escena intermezzo” de 1920, o En el jardín de un templo chino, una “fantasía oriental” de 1923 […]

EN UN MERCADO PERSA (In a persian market) quizá sea ahora la más popular de todas ellas. Como ocurre en estos casos, suele estar interpretada por todo tipo de instrumentos y agrupaciones musicales. También es una obra muy utilizada en la Enseñanza Primaria, como podemos comprobar en el siguiente vídeo.

He seleccionado, además, otro vídeo en la que los niños son los verdaderos protagonistas. También podemos escuchar a continuación una de las mejores grabaciones que disponemos. Y por último, una adaptación muy especial. [En la Sección: CARTAS A HANNAH ya aparecen las cartas hasta la CARTA Nº 90. Y como ya hemos dicho en varias ocasiones, seguirán apareciendo algunas cartas más, antes de la siguiente entrada en la Sección: AL DÍA]

LA CONSAGRACIÓN DE LA PRIMAVERA

Uno de los estrenos más accidentados y célebres de la Historia de la Música tuvo lugar en el Teatro de los Campos Elíseos de París el 29 de mayo de 1913. La obra era La Consagración de la Primavera de Stravinsky y originó uno de los mayores escándalos artísticos de todos los tiempos. El público no dejó de hacer ruido, enfurecido ante lo que consideraban una tomadura de pelo, arrojando objetos al escenario donde danzaban los bailarines y con los pocos defensores de la música de Stravinsky enzarzados en peleas con los que reventaban la presentación. Llegó a intervenir la policía desalojando a los más exaltados de ambos bandos, pero la interpretación continuó aún en medio del caos más absoluto.

“…Poco después de iniciarse la introducción orquestal, pudieron escucharse algunas protestas, aún moderadas, por parte del público. Las expresiones de indignación se renovaron cuando el telón se alzó y aparecieron los bailarines. El jaleo creció cuando otra parte del público se puso a quejarse de los que protestaban, llamándoles al orden. Se armó un barullo ensordecedor de tal magnitud (y aunque parezca mentira, esto lo atestiguan prácticamente todos los presentes) que apenas podía escucharse una sola nota de música. Diaghilev estaba muy agitado y al concluir la primera parte del ballet hizo encender las luces de la sala durante la introducción de la segunda, para que la policía, que había sido avisada, pudiera aislar y expulsar a algunos de los peores alborotadores. Pero tan pronto como se apagaron las luces de nuevo para la escena segunda, el pandemónium estalló de nuevo y siguió hasta que terminó el ballet…”

LA CONSAGRACIÓN DE LA PRIMAVERA (Le Sacre du printemps) es un ballet en dos actos basado en la Rusia Pagana [Imágenes de la Rusia pagana] Es una de las obras más revolucionarias y trascendentales de toda la música clásica por sus innovaciones en armonía, ritmo y timbre. Y hoy en día está considerada como una obra maestra con todos los honores. He aquí el argumento de esta singular obra:

Primera parte: LA ADORACIÓN DE LA TIERRA. En una colina sagrada se reúnen las tribus eslavas para celebrar los rituales de la llegada de la primavera. Una hechicera predice los augurios, un sabio anciano se aproxima y un grupo de adolescentes empieza a bailar la danza en honor del dios Yarilo. Los chicos y las mujeres se les unen en un frenesí intenso. Vuelve la calma y se emparejan mientras los miembros de la tribu buscan una virgen para el sacrificio. Las danzas se tornan cada vez más violentas. Un anciano besa la tierra en la que empiezan a aparecer brotes de vegetación. Las tribus muestran entusiasmo por la renovación de la vida.

Segunda Parte: EL SACRIFICIO. En el crepúsculo reina la tranquilidad. Las vírgenes danzan formando círculos. Una de ellas será la elegida para el sacrificio bailando hasta la muerte para resarcir al mundo que la fuerza de la juventud le ha robado. El anciano, cubierto con una piel de oso, dirige los rituales de las tribus. En una especie de trance la virgen elegida baila su última danza hasta que muere y es conducida al montículo sagrado, donde será inmolada al dios Yarilo. La primavera ha sido consagrada [Para más información, pincha aquí: LA CONSAGRACIÓN DE LA PRIMAVERA]

Pueden escucharla completa a continuación (y en primer plano) en un espectacular montaje escénico. Preparen unos buenos altavoces (o unos buenos auriculares) y disfruten de esta maravilla. Fíjense (además de la música) en la puesta en escena del ballet. Y muy especialmente, en el efecto que se produce cuando se contempla a los bailarines desde la cámara que enfoca desde arriba. Es realmente impresionante.

* En la Sección: CARTAS A HANNAH ya aparecen las cartas hasta la CARTA Nº 85.

CARMINA BURANA

CARMINA BURANA es una cantata escénica compuesta por Carl Orff entre 1935 y 1936, utilizando como texto algunos de los poemas medievales de Cármina Burana. El nombre de la obra procede del latín “cármen o cárminis”, que significa canto, cántico o poema [no confundir con la palabra árabe “carmén”: jardín] y de la palabra Burana, gentilicio de Bura, localidad bávara en donde se encuentra la abadía de Bura Sancti Benedicto y en la que fueron hallados esta serie de escritos goliardos (S. XIII). Aunque generalmente se encuentra escrito Carmina (sin tilde, como en el original latín) se pronuncia kármina. La temática es profana y de índole fundamentalmente amorosa, así como de exaltación de los placeres de la vida y de la naturaleza; también de crítica satírica y en muchos casos grosera, hacia algunos estamentos como el clero que sufría por entonces una etapa de decadencia moral.

La versión de Orff se subtitula: “Canciones laicas para cantantes y coreutas para ser cantadas junto a instrumentos e imágenes mágicas”. La obra se compone principalmente de versos en latín aunque cuenta con fragmentos en alemán y provenzal antiguo. De la colección completa (unos 300 textos) Orff escogió 25 [en realidad 24, el último número musical es repetición del primero] y las ordenó de modo que pudieran ser representadas en un escenario. Se estrenó el 8 de Junio de 1937 en la Alte Oper de Frankfurt dirigida por Oskar Wälterlin. Su fragmento más conocido es “O Fortuna”, dedicada a Fortuna (la diosa romana de la suerte) que constituye la primera parte del preludio y que se repite al final de la obra. Para más información sobre esta famosísima obra musical, podemos pinchar aquí: [1] [2]

En primer plano podemos escuchar la obra completa (dura 60 minutos aproximadamente) en la versión de Jean - Pierre Ponnelle, que corresponde a los 5 primeros vídeos. Y también en la versión de la Orquesta y Coros de la UC (Universidad de California) Davis, dirigida por Jeffrey Thomas, que corresponde al último vídeo [En la Sección: CARTAS A HANNAH ya aparecen las cartas hasta la CARTA Nº 80. Y como ya dijimos anteriormente, seguirán apareciendo algunas cartas más, antes de la siguiente entrada en la Sección: AL DÍA]

Con esta famosísima obra musical, quiero aprovechar este momento para desearles a todos FELIZ NAVIDAD y un PRÓSPERO AÑO NUEVO 2012.

SCHEHEREZADE

SCHEHEREZADE (op. 35) es una suite sinfónica del compositor ruso Nikolái Rimski - Korsakov, compuesta en 1888. Basada en Las mil y una noches, esta obra orquestal combina dos características comunes a la música rusa y particularmente de Rimski - Korsakov: una deslumbrante y colorida orquestación y un interés por el Oriente, muy destacado en la historia de la Rusia Imperial. Podemos escucharla completa en sus 4 movimientos, pinchando en los siguientes enlaces: [1] [2a] [2b] [3] [4a] [4b] Para más información sobre esta famosísima obra musical, también podemos pinchar aquí: SCHEHEREZADE.

En primer plano podemos escuchar también la obra completa. Pero en este caso, en un solo vídeo. Espero que os guste a todos. [En la Sección: CARTAS A HANNAH ya aparecen las cartas hasta la CARTA Nº 70. Y como ya dijimos anteriormente, seguirán apareciendo algunas cartas más, antes de la siguiente entrada en la Sección: AL DÍA]

MUSICOMANÍA - 40 BOLETINES

MUSICOMANÍA es el título que recibe cada uno de los 40 Boletines Informativos que realicé entre los años 2004 y 2005 para la Banda de la Asociación de la Escuela de Música de Bullas y que iba destinado tanto a los componentes de la Banda como a la Directiva de la Asociación. Pueden acceder a estos boletines desde la Página Principal de mi blog: CABALEROAMOR [Artículos] y también pinchando aquí: MUSICOMANÍA.

[En la Sección: CARTAS A HANNAH ya aparecen las cartas hasta la CARTA Nº 55. Y seguirán apareciendo algunas más, antes de la siguiente entrada en la Sección: AL DÍA]

ORFEO - MONTEVERDI

ORFEO (La fábula de Orfeo, “La favola d’Orfeo” o simplemente L’ORFEO) es una ópera en un prólogo y cinco actos con música de Claudio Monteverdi y libreto en italiano de Alessandro Striggio. Se trata de una de las primeras obras que se cataloga como Ópera y fue compuesta para la feria anual de Mantua. Fue estrenada en la Accademia delg’Invaghiti en Febrero de 1607 y posteriormente en el Teatro de la Corte de Mantua. Fue publicada en Venecia en 1609. La trama está basada en el antiguo mito griego de Orfeo, quien intenta rescatar a su difunta amada del Hades, el mundo de los muertos. Para más información, pincha aquí: ORFEO.

Para ilustrar este apartado he elegido el famoso Preludio o Toccata de Orfeo en la versión de Jordi Savall con Le Concert des Nations y La Capella Reial de Catalunya. No se lo pierdan porque es muy corto y tiene una “presentación” verdaderamente original. Es una música muy conocida y además, realmente espectacular. [En la Sección: CARTAS A HANNAH ya aparecen las cartas hasta la CARTA Nº 50. Y como ya dijimos anteriormente, seguirán apareciendo algunas cartas más, antes de la siguiente entrada en la Sección: AL DÍA]

RAPSODIA RUMANA Nº 1 - GEORGE ENESCU

GEORGE ENESCU (Liveni, 19 de agosto de 1881 - París, 4 de mayo de 1955), fue un gran compositor, violinista, pedagogo, pianista y director de orquesta rumano, considerado uno de los más importantes músicos de su país. Su carrera estuvo profundamente vinculada a Francia, donde se suele citar su apellido como Enesco.

Comenzó a estudiar violín a los cuatro años, a los siete recibió clases en el conservatorio de Viena y a los trece en el conservatorio de París. Entre sus maestros destacan los compositores franceses Jules Massenet y Gabriel Fauré. A partir de 1899, Enescu recorrió Europa como virtuoso del violín. Su opus I, el Poema rumano, es una bella obra de apasionado nacionalismo. En 1923 debutó como director en Nueva York con la Philadelphia Orchestra y entre 1937 y 1938 dirigió la New York Philarmonic. También fue un prestigioso profesor; el violinista Yehudi Menuhin fue discípulo suyo. Tras la II Guerra Mundial, Enescu se estableció en París. Se le consideró el principal compositor rumano de su tiempo. Fue un músico versátil y compuso en estilos diferentes: romántico, neoclásico y atonal. Su fama de debe sobre todo a obras como las dos Rapsodias rumanas, basadas en melodías folclóricas de su país. Del resto de su producción musical cabe destacar 3 sinfonías, música de cámara y la ópera Edipo.

Para ilustrar este apartado dedicado a George Enescu he elegido precisamente la Rapsodia Rumana nº 1. En primer lugar escucharemos un extracto que nos servirá de “aperitivo”, antes de escuchar la obra completa. Espero que les guste porque es una verdadera gozada poder disfrutar de esta auténtica maravilla. [En la Sección: CARTAS A HANNAH ya aparecen las CARTAS Nº 33, Nº 34, Nº 35 y Nº 36. También irán apareciendo algunas cartas más, antes de la siguiente entrada en la Sección: AL DÍA]

ZANGALEWA [WAKA - WAKA]

ZANGALEWA [WAKA - WAKA] es originalmente un canto popular de Camerún. Recibe el nombre de sus primeras palabras: Zamina mina Zangalewa. Formaba parte del repertorio de los soldados, pero también de diversos grupos jóvenes como los scouts, alrededor de todo África. Es una canción de ritmo ligero y se utiliza frecuentemente como canción para las marchas. La melodía y la letra aparecieron espontáneamente cantadas desde hace mucho tiempo en varios países de África occidental, por niños boy scouts. Se dice también que el significado “Waka - Waka” era un saludo que hacían soldados de Camerún durante la segunda guerra mundial. Para darnos una idea de cómo sería el canto original podemos escucharlo en estas interpretaciones [1] [2]

El grupo femenino dominicano llamado Las Chicas del Can lo comenzó a cantar, como estribillo de la canción “El negro no puede” desde el año 1982, de la mano del también dominicano Wilfrido Vargas, quien formó este grupo femenino [3] Pero fue realmente popularizada en 1986 por el grupo musical camerunés Golden Sounds, lo que le dio un gran éxito y cambió su nombre por Zangalewa. He aquí un pequeño fragmento [4] En el siguiente enlace podemos ver y escuchar el tema completo [5] Dura más de 11 minutos y está dividido básicamente en dos partes. Los últimos 4 minutos (la segunda parte) son los que relacionaremos especialmente con el Waka Waka de Shakira. Pero es muy interesante escucharlo completo porque las versiones para Coro que existen de este tema están basadas precisamente en los dos temas básicos de estas 2 partes. Por eso mismo, podemos encontrarla también con el nombre de Tibé Zangalewa. He aquí algunas versiones para Coro [6] [7] [8] [9]

Después de la versión de Golden Sounds han aparecido multitud de versiones (muchas de ellas anteriores al éxito de Shakira) basadas en el tema original. También podemos encontrarlo por muchos títulos diferentes, extraídos de la letra original. Por ejemplo, Zamina mina. He aquí algunas de esas versiones que podemos encontrar en YouTube [10] [11] [12] [13] [14] [15] [16] Para más información, pincha aquí: ZANGALEWA.

En primer plano, podemos escuchar a Las Chicas del Can en la “primera” versión del Waka Waka y después un extracto (la segunda parte) de Zangalewa, la versión de Golden Sounds. Escucharemos también 4 versiones para Coro. De estas 4, hacemos una especial referencia a la versión interpretada por el Coro del IES Francisco Salzillo de Alcantarilla (Murcia) y a otra versión de otro coro diferente pero interpretada en el Auditorio y Centro de Congresos de la Ciudad de Murcia. Y para ilustrar la maravillosa versión de Shakira, he elegido para esta ocasión esta versión para Piano. Espero que les guste. [En la Sección: CARTAS A HANNAH ya aparecen las CARTAS Nº 31 y Nº 32]

LOS PRODUCTORES

LOS PRODUCTORES (THE PRODUCERS) es, originalmente, una película de Mel Brooks, realizada en 1968. La comedia, con un modesto presupuesto, se convirtió en un éxito y dio a Brooks un Oscar por el Mejor Guión Original. Más de 30 años después, en 2001, el genial cineasta decidió convertir la película en un musical y lo estrenó en Broodway. El resultado no pudo ser mejor: ganó 12 Premios Tony, más que cualquier otro en la historia. Fue galardonada en cada categoría que fue nominada, incluyendo tres para Brooks: por Mejor Musical, Mejor Partitura y Mejor Libreto de un Musical. Como era de esperar, semejante suceso llamó la atención de Hollywood. Dos gigantes como Columbia y Universal decidieron realizar la versión cinematográfica del musical en 2005. Santiago Segura y José Mota (de Cruz y Raya) han protagonizado la versión del musical en nuestro país, el cual ha sido adaptado también en Argentina y en Venezuela. Para más información, pincha aquí: LOS PRODUCTORES.

He seleccionado para este apartado un fragmento de la película de 1968 (uno de los principales) que lleva por título “Springtime for Hitler” [1] y otro de la película de 2005 que corresponde a “When you got it flaunt it” [Si estás buena, suéltate la melena, en la traducción al castellano que aparece en el DVD) [2] Y en primer plano veremos “Springtime for Hitler” pero en la versión de 2005 y a continuación un maravilloso montaje en el que aparece el tema “When you got it flaunt it”. [En la Sección: CARTAS A HANNAH ya aparecen las CARTAS Nº 26, Nº 27, Nº 28, Nº 29 y Nº 30]

LA TABERNERA DEL PUERTO

LA TABERNERA DEL PUERTO es una zarzuela, denominada también como Romance Marinero, en 3 actos, libreto de Federico Romero y Guillermo Fernández Shaw, música de Pablo Sorózabal (Katiuska, La del manojo de Rosas). Fue estrenada el 6 de abril de 1936 en el Teatro Tivoli de Barcelona. Es una de las zarzuelas más importantes del autor y una de las más conocidas en el género. La acción se desarrolla, en la fecha contemporánea al estreno, en el puerto de la ciudad imaginaria de Cantabreda, en el norte de España.

Acto I. En el puerto se encuentra la taberna de Marola. Nadie sabe el origen de Marola, solamente se conoce que la taberna fue costeada por el bandido Juan de Eguía, al que todos creen su marido. El marinero Simpson habla de Leandro (un pescador enamorado de Marola). Marola y Leandro se enamoran. Abel, un adolescente intérprete del acordeón, también se enamora de Marola pero no es correspondido. Un grupo de mujeres del pueblo reprochan a Marola que vuelve locos a todos los hombres, pero ella se defiende recriminándoles que no prestan atención a sus esposos. Juan de Eguía golpea a Marola ante la impotencia de Abel.

Acto II. Al día siguiente, Abel cuenta lo sucedido, lo que hace que todos los presentes busquen a Juan para pedirle explicaciones. Leandro conversa con Juan, el cual confiesa que Marola es hija suya, ante lo cual Leandro convence a su amada para que huya con él. Juan de Eguía aparece de nuevo y le promete a Leandro la mano de Marola a cambio de que introduzca un fardo de cocaína en la ciudad. Leandro acepta.

Acto III. Acompañado de su amada (Leandro y Marola) se dirigen en una pequeña embarcación hacia una cueva que solo tiene acceso por mar, para cargar el fardo de cocaína, pero son sorprendidos por una tormenta y desaparecen. Abel canta a la desaparecida Marola, mientras Juan entristecido les cuenta a todos los presentes que ella es en realidad su hija. Poco después el marinero Simpson trae la buena noticia de que Leandro y Marola están vivos y se dirigen al puerto detenidos por los carabineros. Juan confiesa ser el verdadero culpable de todo lo sucedido y es detenido, mientras que Leandro y Marola quedan en libertad. [Para más información, pincha aquí: LA TABERNERA DEL PUERTO]

De esta auténtica obra maestra, la cual tiene una duración aproximada de dos horas, se podrían seleccionar muchísimos números musicales. Sin embargo, para esta ocasión, he seleccionado únicamente el aria o la romanza para tenor del Acto II. Pincha aquí para más información: NO PUEDE SER. La romanza recoge el dolor e incredulidad de Leandro, quien la interpreta al ser informado por Simpson que ha sido utilizado por Marola para llevar a cabo la peligrosa misión de rescatar de los acantilados un fardo lleno de cocaína. El joven se lamenta de su desgracia, afirmando que Marola es buena y no le ha utilizado porque también le ama. Es una de las más famosas de la lírica española y forma parte del repertorio de todos los grandes tenores españoles, especialmente Plácido Domingo, quien ha hecho de este tema uno de los momentos culminantes de sus recitales.

Y para comprobarlo, podemos escuchar a continuación y en primer plano, una maravillosa interpretación de este genial cantante y con Zubin Mehta como Director. Fíjense además, en la cara que pone éste al final de la romanza porque describe muy bien la perfección con que Plácido Domingo la canta. Aunque esta interpretación es de 1990, hay que decir que a fecha de hoy, sigue cantándola como nadie. [En la Sección: CARTAS A HANNAH ya aparecen las CARTAS Nº 21, Nº 22, Nº 23, Nº 24 y Nº 25]

ASÍ HABLÓ ZARATHUSTRA

ASÍ HABLÓ ZARATHUSTRA, Op. 30 (titulada originalmente Also Sprach Zarathustra en alemán) es un Poema Sinfónico compuesto por el alemán Richard Strauss en el año 1896. El autor se inspiró en la obra homónima del filósofo Friedrich Nietzche. Pincha aquí: ASÍ HABLÓ ZARATHUSTRA - NIETZCHE. La obra se estrenó en Frankfurt. El Poema Sinfónico dura aproximadamente entre 35 y 40 minutos, según las diferentes interpretaciones. La obra ha sido parte del repertorio clásico desde su estreno ese mismo año. La fanfarria inicial (titulada “Amanecer” en las notas al programa del compositor) se ha dado a conocer al público en general debido a la película de Stanley Kubrick en 1968, 2001: Una odisea del espacio. Para más información pincha aquí: ASÍ HABLÓ ZARATHUSTRA - RICHARD STRAUSS.

Para este apartado he seleccionado dos interpretaciones de la obra completa. Así que, tengan un poco de paciencia porque las dos interpretaciones que vienen a continuación duran aproximadamente, cada una de ellas, alrededor de 35 minutos. Aunque, comparado con una ópera de Wagner que puede durar hasta 4 horas, esto no es nada en comparación. La primera interpretación corre a cargo de la Orchestra dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia, dirigida por Antonio Pappano [1a] [1b] [1c] [1d] y la segunda a cargo de la Staatskapelle de Desdre, dirigida por Zubin Metha [2a] [2b] [2c] De todos modos, si no quisieran escucharla completa, al menos, escuchen los dos primeros minutos. Seguro que les va a sonar muchísimo.

En primer plano, escucharemos una interpretación más. Esta vez, a cargo de la JUGENDORCHESTER GUSTAV MAHLER, dirigida por Jonathan Nott, en una interpretación absolutamente maravillosa, teniendo en cuenta que se trata de una Orquesta de Jóvenes o Joven Orquesta. La interpretación corresponde a los 4 primeros vídeos que aparecen. Después escucharemos la famosísima introducción de esta obra musical, con las imágenes de la Película de Stanley Kubrick. 2001: UNA ODISEA DEL ESPACIO. Y por último, escucharemos la misma introducción pero en un vídeo impresionante. No se lo pierdan porque se trata de un vídeo realmente espectacular: EL VÍDEO MÁS VISTO DE YOUTUBE. O por lo menos, uno de los más vistos. Espero que os guste porque es fantástico. [En la Sección: CARTAS A HANNAH ya aparecen las CARTAS Nº 16, Nº 17, Nº 18, Nº 19 y Nº 20]

EVIVA ESPAÑA

EVIVA ESPAÑA es el título original de nuestro famosísimo: Y VIVA ESPAÑA. Es un pasodoble compuesto en 1972 por el músico Leo Caerts y el letrista Leo Rozenstraten, ambos de nacionalidad belga. La letra original está escrita en idioma flamenco y la primera intérprete en grabar el tema fue Samantha, nombre artístico de Christiane Bervoets. En los países hispanoparlantes es conocida especialmente por la versión de Manolo Escobar. Para más información pinchad aquí: EVIVA ESPAÑA.

De las muchísimas versiones y diferentes interpretaciones que podemos encontrar (muchas de ellas las encontraremos con el título de E VIVA ESPANA, sin la ñ, y también en otros idiomas) he seleccionado una amplia y variada muestra que nos puede dar una mejor idea de lo popular y de lo internacional que es precisamente esta canción. En YouTube podemos encontrar muy fácilmente, muchísimas más de las que he seleccionado en este apartado.

Además de las versiones en español, podemos escuchar también la versión original en idioma flamenco [1] en alemán [2] francés [3] inglés [4] húngaro [5] danés [6] finlandés [7] y seguro que se me escapan muchísimos más idiomas. De todos éstos, podemos encontrar también muchos ejemplos.

También podemos escuchar además una versión en portugués, pero un poco diferente por la letra [8] Una versión en alemán pero “a capella”, muy pero que muy interesante [9] Y un pequeñísimo fragmento de una serie británica, pero muy divertido. Fíjense como a la mitad del vídeo, las imágenes y el sonido retroceden [10]

En cuanto a las numerosas versiones instrumentales que podemos encontrar, he seleccionado también algunos ejemplos. Una versión para ensemble de acordeones [11] Para viento madera y viento metal [12] [13] Para Brass Band [14] Y una versión muy especial para orquesta [15]

En primer plano escucharemos también varios ejemplos. Una de las versiones alemanas más populares, la de Imca Marina; una versión en árabe, o al menos eso es lo que me parece; También escucharemos a Plácido Domingo, digamos que en una excelente improvisación en directo; Una versión para Banda de Música, me parece que es en Grecia; El único vídeo que he puesto y que está dentro de nuestras fronteras es el que viene a continuación. Se trata de un fragmento del Concierto de la Agrupación Musical de la Unión junto a Manolo Escobar. Precisamente, ya hice alusión a este concierto en las Cartas a Hannah (Nº 7); Un concierto de una Banda de Música en Estrasburgo; La versión de la Royal Philarmonic Orchestra of London; Y para terminar, una de las mejores versiones que podemos encontrar para Orquesta. Espero que os guste. [En la Sección: CARTAS A HANNAH ya aparecen las CARTAS Nº 13, Nº 14 y Nº 15]

MARÍA SANTÍSIMA DEL DULCE NOMBRE

MARÍA SANTÍSIMA DEL DULCE NOMBRE es una de las muchas marchas de procesión que hay dedicadas a La Hermandad de “El Dulce Nombre” de Sevilla (Pinchar en los enlaces enumerados): [1] y es una de las más bellas partituras dedicadas a una Dolorosa Sevillana. Fue compuesta por Luis Lerate Santaella [2] en 1955, aunque hay dudas al respecto y parece también probable la fecha de 1956 [3] Podemos escuchar el fragmento central de la marcha en una versión para órgano [4] y también podemos escuchar ese mismo fragmento, en Banda de Música, al inicio del siguiente vídeo [5]

A partir de ahora, podemos escucharla completa en una adaptación para Piano [6] También podemos escuchar la versión para Banda de Música en tres interpretaciones distintas: la Banda Maestro Tejera [7] la Banda de Nuestra Señora de la Soledad de Cantillana [8] y el Conjunto instrumental Pilas - Hinojos [9] También podemos escuchar la versión para Orquesta, en la interpretación de la Joven Orquesta de Cuenca, de la que ya hemos escuchado varias interpretaciones e incluso, le dedicamos un apartado en la Sección AL DÍA, exclusivamente a dicha orquesta [10]

Y en primer plano escucharemos la mejor versión que hay hasta el momento de esta maravillosa marcha de procesión. Se trata de la versión de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla. La instrumentación de esta versión corre a cargo de Luis Ignacio Marín García. En MUSICOMANÍA (Boletín de la Banda de la Escuela de Música, Nº 26) aparece más información sobre esta marcha. Y en MI MÚSICA 5 (Un disco con aproximadamente 78 horas de música en mp3), en la carpeta SEMANA SANTA y en la subcarpeta ORQUESTA SINFÓNICA, podemos encontrarla también, en esta misma versión. Una observación para todos los que tengan este DVD. La marcha aparece (por error) con el nombre de “Nuestra Señora del Gran Poder”. Pero se trata de “María Santísima del Dulce Nombre”. [En la Sección: CARTAS A HANNAH ya aparecen las CARTAS Nº 11 y Nº 12]

COSTALERO

COSTALERO es una marcha de procesión compuesta por Martín Salas (Pinchar en los enlaces enumerados): [1] en 1996 y está dedicada a los Costaleros de la Hermandad de la Sangre de Huévar (Sevilla). Es una de las más importantes y de las más famosas de este compositor. Está inspirada a su vez en una canción compuesta por y para Los del Guadalquivir, como podemos comprobar en esta grabación en directo en el concierto del XXX aniversario de la AM Virgen de los Reyes (Sevilla) [2] Aunque hay que decir que, en la marcha de procesión, solo ocupa la parte central de la misma, como podemos comprobar en la siguiente versión interpretada por la Banda Municipal de Música de Motril (Granada); solo la parte cantada por el coro rociero es en realidad la canción original [3]

Además de la versión de Los del Guadalquivir (en muchos vídeos aparece erróneamente: Ecos del Rocío o Cantores de Hispalis) podemos escuchar otras versiones como la del Coro Virgen del Amor de Puente Genil (Córdoba), en esta ocasión, en un montaje sobre imágenes de la Semana Santa de Huelva [4] También se suele interpretar por Bandas de Cornetas y Tambores; en el siguiente vídeo podemos escuchar a la AM La Expiración de Parla (Salamanca) acompañada por el coro de la Hermandad de la Macarena [5] Y también, con Banda de Música. Pero en esta ocasión podemos escuchar una versión diferente a la de Martín Salas. Se trata de un arreglo más de la canción original. Podemos escucharlo interpretado por el grupo rociero “Malandar” y acompañados musicalmente por la banda de música de Nuestro Padre Jesús Nazareno de Rota (Cádiz) [6]

En primer plano vamos a escuchar la INTRO que tuvo el Portal de la Web de la AM Virgen de los Reyes hace ya un tiempo, precisamente con una adaptación muy especial de Costalero. Después escucharemos la versión original de Los del Guadalquivir, la versión del Coro Virgen del Amor en el programa “Viva mi coro”, la versión para Banda de Cornetas y Tambores interpretada por la agrupación musical Virgen de los Reyes y por último, la Marcha de Procesión para Banda de Martín Salas. Espero que disfruten con esta maravillosa pieza musical. [En la Sección: CARTAS A HANNAH ya aparecen las CARTAS Nº 9 y Nº 10]