CANCIÓN DE CUNA - BRAHMS

- ¿Has oído eso de que Brown ganó 100.000 dólares tocando el violín?

- ¡Imagínate, 25.000 dólares por cuerda!

- ¡Pues es verdad! Imagínate que le hubiera dado por tocar el arpa.

[CHISTES, OCURRENCIAS, CURIOSIDADES Y ANÉCDOTAS DEL MUNDO DE LA MÚSICA Y LOS MÚSICOS]

Canción de cuna en Mi bemol mayor, op. 49 nº 4. En 1868, Johannes Brahms publicó un cuaderno de cinco canciones. Una de ellas, la famosísima Canción de cuna nº 4 quizá sea la pieza vocal más conocida de este compositor. El texto proviene del Des Knaben Wunderhorn, la amplia recopilación de temas populares que realizaron Arnim y Brentano a principios del S. XIX:

“Buenas tardes, dulces noches; deslízate bajo la colcha, bordada con claveles, adornada con rosas. Mañana por la mañana, si Dios quiere, despertarás de nuevo.

Buenas tardes, dulces noches; los ángeles velan por ti, y en sueños te mostrarán el árbol de Navidad del niño Jesús. Ahora duerme tranquilo, dulcemente; contempla en sueños el paraíso.”

Cuenta el musicólogo francés Claude Rostand que el músico se inspiró en una canción popular que Bertha Faber le hizo conocer en Hamburgo. La pieza está dedicada al segundo hijo de aquella dama. En el catálogo de Simrock figuran hasta 17 transcripciones de varios tipos de esta berceuse, ocho de ellas para piano.

De esta nana o canción de cuna, también se han realizado infinidad de versiones. Sin embargo, para esta ocasión he seleccionado únicamente un solo ejemplo, quizá uno de los que más se acerca al espíritu original de esta maravillosa canción.

TU VUÒ FÀ L'AMERICANO

Un músico estaba paseando un día por el bosque cuando, de improviso, se le apareció un duende.

- Pídeme el deseo que quieras y te será concedido – le dijo al músico.

El músico se sacó del bolsillo un pequeño atlas y le señaló varios países en un mapamundi.

- Mira, aquí, y aquí la gente pasa mucha hambre, y aquí y aquí un sinnúmero de personas padece enfermedades. En este otro sitio se tortura a las personas, en regímenes dictatoriales que no respetan los derechos humanos. Deseo que todos los habitantes de estos países tengan salud y estén libres de la tiranía. ¿Puedes conseguirlo?

- Es una tarea demasiado dura – se quejó el duende -. ¿No puedo ayudarte en algo un poco más fácil?

- Bueno, yo soy intérprete de clarinete ¿sabes?, y lo paso fatal con la entonación en los registros altos. ¿Me podrías ayudar en eso?

- Anda, déjame echar otro vistazo al atlas.

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TU VUÒ FÀ L’AMERICANO es una canción compuesta en 1956 por Renato Carosone, uno de los más importantes cantantes italianos de canción napolitana y uno de los principales intérpretes de música ligera de la posguerra. Pincha aquí: RENATO CAROSONE. Esta canción, una de las más famosas, habla en modo satírico de la americanización de la sociedad italiana tras el final de la Segunda Guerra Mundial, satirizando las costumbres americanas… y lo hace en clave de swing – jazz, tan en boga en los años 50 en los Estados Unidos, aunque manteniendo su estilo napolitano. En concreto, la letra habla sobre un italiano que imita el estilo de vida de un americano de los años 50, bebiendo whisky con soda, bailando rock’n’roll, jugando al Baseball y fumando cigarrillos Camel pero dependiendo económicamente de sus familiares [1] En 2009, Yolanda Be Cool realizó un remix de esta canción, siendo actualmente una de las canciones de más éxito a nivel internacional [2]

Para ilustrar algunas de las muchísimas versiones que se han realizado de esta canción, he seleccionado en primer lugar la que aparece en la película: Totó, Peppino e le fanatiche (1958) en la que el pianista es Renato Carosone [3] A continuación, la que aparece en esta otra película: Sucedió en Nápoles (1960) en la que canta Sophia Loren [4] Y la que aparece en una película mucho más reciente: El talento de Mr. Ripley (1999) en la que cantan Matt Damon y Jude Law entre otros [5] Además, las versiones de Dany Brillant [6] Nieuwe Helden [7] y Alter Ego [8] Y para completar este apartado, estos dos vídeos en los que aparece, entre otras piezas musicales, esta maravillosa canción [9] [10]

En primer plano he seleccionado 4 ejemplos más: Una versión para Voz, Piano, 2 Saxos y Batería; una versión de Sophia Loren (es la que antes ha aparecido en la película Sucedió en Nápoles, pero en esta ocasión aparece en un vídeo distinto); una breve versión para Piano y una magnífica versión para Big Band.

TIE A YELLOW RIBBON

Señor director, le ruego que me disculpe por no poder asistir mañana al ensayo. Tengo que ir al hospital a recoger a mi esposa y a nuestro nuevo hijo. Le prometo que no volverá a pasar en toda la temporada.

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TIE A YELLOW RIBBON ROUND THE OLE OAK TREE (Ata una cinta amarilla alrededor del viejo roble) es una canción que popularizaron Tony Orlando y el grupo Dawn [1] Escrita por Irwin Levine y L. Rusell Brown, y producida por Hank Medress y Dave Appell, fue un enorme éxito en todo el mundo en 1973. Alcanzó el número uno en los EE.UU. y el Reino Unido durante cuatro semanas en abril de ese mismo año y el número uno en las listas australianas durante siete semanas entre mayo y julio de 1973. También fue el más vendido single durante ese año en los EE.UU. y el Reino Unido. Desde entonces se han realizado infinidad de versiones tanto vocales (en inglés y en otros idiomas) como instrumentales. La canción ha aparecido también en varias películas como Oficial y Caballero, Forrest Gump y La Familia Addams 2. Y pese a toda la polémica que suscitó la demanda de un periodista a los autores, la canción se encuentra en el puesto 37 en el Billboard de las mejores canciones de todos los tiempos. Pincha aquí: TIE A YELLOW RIBBON ROUND THE OLE OAK TREE.

La canción está basada en un hecho real. Básicamente, es la historia de un hombre que, estando en la cárcel, le escribe a su amada diciéndole que iba a salir en libertad. Para saber si ella todavía lo amaba, le pide que ate una cinta amarilla en el viejo roble (quizá el lugar donde se conocieron o donde se dieron el primer beso). Si al pasar por el pueblo veía desde el autobús que la cinta estaba allí, es que era bienvenido. Y si no estaba la cinta, pasaría de largo y seguiría su camino… Para su felicidad, encuentra, no una, sino cien cintas atadas en aquel árbol. Sin embargo, la canción tiene unas connotaciones mucho más amplias de las que comúnmente se cree. Ya que se la considera como un hermoso canto a la paz, de alguien que vuelve después de mucho tiempo a su hogar, a su tierra, a ver de nuevo el rostro de su familia y, para saber si es aún aceptado tiene que pasar en autobús delante de un viejo roble, y allí su familia habrá atado una cinta amarilla en señal de que no lo han olvidado. Cuando el autobús rebasa ese punto de la carretera, el hombre ve un árbol repleto de cintas amarillas y, emocionado, se da cuenta de que todo su pueblo, toda su comunidad, había atado una cinta en señal de espera, para luchar contra la desesperanza.

El origen de la idea de una cinta amarilla en señal de recuerdo pudo haber sido una práctica del S. XIX en la que algunas mujeres supuestamente habían de llevar una cinta amarilla atada en el pelo para significar su devoción a un esposo o novio que presta servicios en la caballería de los EE.UU. La cinta amarilla era el símbolo de la mujer que esperaba el regreso de su amado, que combatía en el frente, a casa sano y salvo. Hay una película que puede servir de magnífico ejemplo: La legión invencible (John Ford, 1949) cuyo título original es: She Wore a Yellow Ribbon (Ella llevaba una cinta amarilla), título a su vez de una canción y poema usado en una marcha militar popular estadounidense [2] El símbolo de una cinta amarilla llegó a ser ampliamente conocido en la vida civil en la década de 1970 como un recordatorio de un ser querido ausente, ya sea en el ejército o en la cárcel, y con la que se le daba la bienvenida a casa a su regreso. La canción que nos ocupa es, quizás, la responsable de aquel fenómeno social. La canción renovó su popularidad en 1981, a raíz de la crisis de los rehenes en Irán. En 1979 – 1980, mientras que los diplomáticos estadounidenses fueron retenidos por estudiantes iraníes en el recinto de la Embajada americana en Teherán, una campaña de Cinta Amarilla se utilizó para mostrar apoyo a los cautivos. Pese a que los estudiantes radicales trataron de convencer a los prisioneros de que sus compatriotas se habían olvidado de ellos, las cintas amarillas simbolizaron todo lo contrario. Para más información pincha aquí: Yellow Ribbon.

De las muchísimas versiones que podemos encontrar, he seleccionado algunos ejemplos vocales [3] [4] [5] [6] e instrumentales [7] [8] [9] [10] En primer plano he seleccionado también 4 ejemplos más.

LAS RUINAS DE ATENAS

- ¿Cómo aprendiste a tocar la guitarra?

- Por correspondencia.

- Pues debes de haber perdido cantidad de cartas.

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Beethoven escribió en 1811 la música incidental para la obra teatral del dramaturgo alemán August Friedrich Ferdinand von Kotzebue titulada LAS RUINAS DE ATENAS. Consta de las siguientes partes: Obertura; Coro [1] Dueto; Coro de hombres; Marcha Turca [2] Marcha con coro; Coro y Aria [3] Coro Final [4] Esta obra musical es más conocida hoy en día gracias a la Marcha Turca (no confundir con la Marcha Turca, de Mozart) [5] Sin embargo, Beethoven ya la había utilizado como tema principal en una composición anterior titulada “Seis variaciones de un tema original”, de 1809 [6]

Esta pieza es muy conocida y muy popular porque aparece “en una adaptación muy original” como sintonía en un programa de televisión muy famoso: El chavo del ocho [7] y que se titula: “The Elephant Never Forgets” (El elefante nunca olvida) del músico francés Jean – Jacques Perrey, perteneciente a su álbum “Moog Indigo” (1970) [8] Es decir, que esta adaptación tan original la hizo en realidad este compositor y el programa de televisión la tomó directamente como sintonía. También podemos escuchar una nueva adaptación de la misma [9] Y de los muchísimos ejemplos que podríamos encontrar les propongo esta versión [10]

En primer plano podemos escuchar una excelente versión para Piano a cargo de Evgeny Kissin; Una versión para Flauta y Piano a cargo de Ion Bogdan Stefanescu y Horia Maxim; Una versión de los niños de 2º de primaria del C. P. Gabriel Miró junto a la Banda Municipal de Alicante; Y por último, la versión original para Orquesta con unas espectaculares imágenes.

MARCHA FÚNEBRE POR UNA MARIONETA

Dos presos se acaban de conocer en el patio de una prisión y en el transcurso de ese primer encuentro se produce esta curiosa conversación.

- Y a ti, ¿por qué te metieron en chirona?

- Maté a un tipo que tocaba el saxofón.

- ¡Qué dices! ¿Y qué conseguiste con eso?

- Dormir, colega, dormir.

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MARCHA FÚNEBRE POR UNA MARIONETA es una obra musical del compositor francés Charles Gounod. La obra, en principio menor, alcanzó gran popularidad a raíz de ser utilizada por el cineasta británico Alfred Hitchcock para abrir la presentación de su serie Alfred Hitchcock presenta (1955 – 1964) en la cadena CBS y, más tarde, también para La hora de Alfred Hitchcock, que estuvo en antena entre 1964 y 1965, en la cadena NBC. Por ello aparece a menudo asociada a la figura del director [1] La obra también la podemos encontrar con el título Marcha Fúnebre (Funeral) por (para) una marioneta. Al parecer, esta pieza iba a ser incluida en una obra titulada Suite Burlesque, que el compositor no llegó a concluir. No solamente es una de sus obras más populares sino que también es una de las obras más populares de toda la historia de la música [2]

De los numerosísimos ejemplos que podemos encontrar, he seleccionado en primer plano una versión para Quinteto de Viento, otra para Banda de Música y 2 versiones para Orquesta (una de ellas especialmente divertida).

4'33''

En un descanso durante el ensayo, un percusionista observa que los vientos y los metales gritan números y lanzan grandes carcajadas. “¡37!” Carcajada general. “¡28!” Otra carcajada. Entonces le pregunta a un compañero de qué se ríen. Éste le explica:

- Lo que pasa es que ya se conocen tan bien los chistes, que sólo necesitan decir el número.

El percusionista se acerca al grupo, dice “¡19!”, y todos lo miran con cara larga. Entonces, vuelve con su compañero y le pregunta:

- ¿Puedes decirme por qué no se han reído?

- ¡Hombre! Hay que saber contarlo…

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4’33’’ (Four minutes, thirty-three seconds) es una obra musical realizada por el compositor americano de vanguardia John Cage en 1952. Está divida en tres movimientos: [1º Movimiento: 30‘’ / 2º Movimiento: 2’23’’ / 3º Movimiento: 1’40’’] La pieza puede ser interpretada por cualquier instrumento o conjunto de instrumentos. En la partitura, con una única palabra, “Tacet”, se indica al ejecutante que ha de guardar silencio y no tocar su instrumento durante 4 minutos y 33 segundos. Aunque comúnmente se considera que se trata de 4 minutos y 33 segundos de silencio, en realidad el material sonoro de la obra lo componen los ruidos que escucha el espectador durante ese tiempo. [1] [2]

Fue estrenada por David Tudor, pianista, quien indicó el comienzo de cada parte cerrando la tapa del piano y el final abriéndola [3] [4] Se cuenta que los oyentes que pusieron atención en el estreno pudieron oír durante el primer movimiento el sonido del viento en los árboles; en el segundo, el choque de algunas gotas contra el tejado; y en el tercero, el público añadió sus propios murmullos de perplejidad a los otros sonidos no intencionados del compositor [5] [6] [7] Con el paso de los años 4’33” se ha convertido en la obra más famosa de John Cage y, aunque no lo parezca atendiendo a las propias características de esta obra, su trascendencia ha sido considerable.

Además de los anteriores ejemplos he seleccionado estos otros que me parecen muy graciosos [8] [9] [10] Y en primer plano he seleccionado 4 ejemplos más que me parecen muy significativos. ¡Ah! Y que conste que esto no es ninguna broma, pese a ese famoso chiste que dice: John Cage llega al cielo. ¿Cuánto tiempo debe esperar para que le abran la puerta? Adivine…

KALINKA [YO SOY ESPAÑOL]

- Cariño, ¿te fijaste en cómo mi voz llenó el auditorio durante mi concierto de la semana pasada? – dijo una célebre soprano a su esposo, un punto engreída como buena prima donna que era.

- Desde luego, corazón – respondió el marido – hubo gente que hasta se levantó y se fue para dejar sitio.

[CHISTES, OCURRENCIAS, CURIOSIDADES Y ANÉCDOTAS DEL MUNDO DE LA MÚSICA Y LOS MÚSICOS]

KALINKA es una conocida canción rusa. Ha sido confundida como una canción folclórica, pero realmente fue escrita por el compositor Iván Petróvich Lariónov en 1860, siendo interpretada por primera vez en Sarátov como parte de una obra teatral que él había compuesto. La canción habla sobre un arbusto de “bayas de nieve” denominado (en ruso) Kalina. “Kalinka” es diminutivo cariñoso de “Kalina”. Consta de tres estrofas y para comprender verdaderamente el significado de esta canción hay que llegar a la tercera, en la que se advierte claramente el doble sentido de las dos primeras. La parte de la canción que se va acelerando, se refiere específicamente al acto sexual; mientras que la parte más lenta se refiere al ensueño del joven tumbado bajo el árbol.

Como datos curiosos podemos destacar que en 2003, el magnate ruso Román Abramóvich compró el club de fútbol de la Chelsea FC y, desde ese momento, se canta kalinka antes o después de los partidos más importantes para el Chelsea en casa, como ocurrió durante la Champions League contra el FC Barcelona. Y en 2008, la música de esta canción fue utilizada por la afición de España para celebrar la victoria de la Selección de fútbol de España ante la de Rusia, país originario de Kalinka, en las semifinales de la Eurocopa 2008, al grito de “Yo soy español, español, español”. La selección española acabaría ganando este torneo, lo que popularizó aún más este cántico. Desde entonces es entonado para festejar éxitos deportivos de España en todos los ámbitos. Para más información, pincha aquí: KALINKA.

Para ilustrar este apartado he seleccionado varios ejemplos de esta conocidísima canción: Danzas [1] [2] Coro [3] [4] Banda [5] [6] Orquesta [7] [8] Actuales [9] [10]

Y en primer plano he seleccionado cuatro versiones más. La primera de ellas corresponde a una versión muy original para Trío de violines y las 3 siguientes corresponden sucesivamente a las de Helmut Lotti, Luzmila Zykina y Yamboo. Espero que os guste. Y si desean además hacer algún comentario, pueden hacerlo en las secciones correspondientes.

BILL DOUGLAS

Las redacciones escolares y los exámenes de música son una fuente inagotable de disparates. He aquí algunos ejemplos [Hacemos notar que no hay ni una sola errata y la transcripción es totalmente literal]:

1. Una definición de orquesta: “La orquesta es cuando se guntan mucha gente que toca, y toca la música. Los instrumentos se colocan unos delante y otros detras y eso depende del tamaño, por ejemplo la gaita se coloca siempre delante.”

2. Respuesta al enunciado CARACTERÍSTICAS DE LA MÚSICA BARROCA: “Creo que hay un despiste en la pregunta, me parece que es la música marroca. Voy a contestar esto. La música marroca es la de los moros de Marruecos que es muy importante porque la tocaban los moros cuando ivan a las batallas de conquista.”

3. “Joseph Haydn nació en 1732 y pronto se convirtió en el padre de la música clásica. Más tarde, a los veintiocho años se casó. Haydn tuvo mucha voluntad. Murió en 1809 y todavía está muerto.”

4. “Los réquiems se tocan usualmente en ocasiones tristes, como funerales o bodas.”

[CHISTES, OCURRENCIAS, CURIOSIDADES Y ANÉCDOTAS DEL MUNDO DE LA MÚSICA Y LOS MÚSICOS]

BILL DOUGLAS es un músico canadiense, compositor, pianista y fagot, cuyas obras recibieron la influencia de la música clásica, jazz, africano, celta, funk de los 70 y de muchos otros géneros. Ha realizado giras y grabado durante treinta años con el clarinetista Richard Stoltzman. Como fagotista, ha tocado con las orquestas sinfónicas de Toronto y New Haven y ha grabado tres discos RCA con Peter Serkin y Tashi (Ida Kavafian, Fred Sherry, Richard Stoltzman y Peter Serkin). Como pianista de jazz, ha hecho giras y grabado con el vibrafonista Gary Burton y el bajista Eddie Gómez.

En 1994, la Sociedad de Compositores, Autores y Editores de Música de Canadá, le concedió el premio de compositor clásico del año. Sus composiciones han sido interpretadas por grandes orquestas y grupos de cámara de todo el mundo. Ha sido profesor en la Universidad de Naropa, en Boulder, Colorado, durante veinte y nueve años. Para más información, pincha aquí: BILL DOUGLAS.

De su amplia DISCOGRAFÍA, he seleccionado para este apartado y en primer plano, 4 temas: Diamond Dance, Elegy, Deep Peace y Love Song.

DUNE

“…El silencio de la música seguía inquietándole. ¿Significaba esto que el hijo de Farok había dejado de transmitir? Esta era la forma en que habían procedido, por supuesto: el mensaje estaba condensado y había sido transmitido con la música. Se había impreso en el sistema nervioso de Scytale, de donde podría extraerlo en el momento propicio gracias al distrans implantado en su córtex suprarrenal. Ahora su cuerpo era un contenedor de palabras desconocidas. Estaba henchido de datos: cada célula de la conspiración aquí en Dune, cada nombre, cada clave de contacto… toda la información vital…”

FRANK HERBERT / Extracto de EL MESÍAS DE DUNE (2º libro de la saga) / Incluido también en el Boletín nº 35 de la Banda de la Escuela de Música de Bullas.

DUNE es una novela de ciencia ficción escrita por Frank Herbert en 1965. Su éxito fue rotundo; en 1966 ganó el Premio Hugo y en 1965 la primera edición del Premio Nébula a la mejor novela de ciencia ficción. Publicado en español por la editorial Acervo en 1975, DUNE abre una de las sagas más importantes de la literatura fantástica y de ciencia ficción. Posteriormente el autor continuaría la saga con EL MESÍAS DE DUNE (1969) y la concluyó con HIJOS DE DUNE (1976), que cerraba la trilogía prevista. El éxito de la trilogía le llevó sin embargo a escribir posteriormente un cuarto libro, DIOS EMPERADOR DE DUNE (1981), con el que esperaba cerrar la (en ese momento) tetralogía. Años después retomaría la saga con los quinto y sexto volúmenes HEREJES DE DUNE (1984) y CASA CAPITULAR DUNE (1985), dejando un final completamente abierto a una nueva entrega. [Tras la muerte de Frank Herbert, se han añadido a la saga dos trilogías que narran los antecedentes que condujeron a los hechos de la saga principal: PRELUDIO A DUNE (1999 – 2001) y LEYENDAS DE DUNE (2002 – 2004), escritas por el hijo del autor, Brian Herbert, en asociación con el escritor de ciencia ficción Kevin J. Anderson, así como dos novelas que concluyen la saga original: CAZADORES DE DUNE (2006) y GUSANOS DE ARENA DE DUNE (2007)]

El éxito de la novela provocó mucho interés en su traslado a la gran pantalla, proyecto que tras muchas vicisitudes se plasmaría en la película DUNE (1984), dirigida por David Lynch. Años después, en el 2000, también se realizaría una miniserie de televisión inspirada en la primera novela, titulada DUNE; a la que seguiría otra miniserie inspirada en las dos novelas siguientes (EL MESÍAS DE DUNE / HIJOS DE DUNE), titulada HIJOS DE DUNE. Para más información pincha aquí: DUNE.

Para ilustrar este apartado he seleccionado imágenes de la mítica película de David Lynch [1] [2] [3] Algunos temas de la Banda Sonora [4] [5] [6] El inicio de la película [7] Un interesante remake [8] La escena de la caja [9] y el final de la película [10] donde aparece la imagen de todos los personajes que intervienen. [Uno de ellos es el famoso cantante de The Police: Sting]

En primer plano he seleccionado algunos temas de la Banda Sonora de la miniserie HIJOS DE DUNE (Children of Dune), compuesta por Brian Tyler [Compositor de la Banda Sonora de la última película de Rambo, entre otras.]

AVE MARÍA - CACCINI

Leído en la sección de anuncios de un diario de Nueva York:

“Se regala colección de discos de rock y heavy metal. Si una voz de adolescente de 16 años contesta al teléfono, cuelguen y llamen más tarde.”

[CHISTES, OCURRENCIAS, CURIOSIDADES Y ANÉCDOTAS DEL MUNDO DE LA MÚSICA Y LOS MÚSICOS]

Uno de los más famosos “Ave María” que jamás se han compuesto es, sin ninguna duda, el de Schubert. También es famoso el de Charles Gounod. En realidad, han sido muchos los compositores que han creado su particular AVE MARÍA, desde Tomás Luis de Victoria y Josquin Des Prés, pasando por Bach, Haendel, Mozart, Beethoven, Brahms, Bruckner, Verdi… hasta compositores como Pietro Mascagni, Gustav Holst y un largo etc. [El de David Bisbal lo dejamos aparte]

Sin embargo, hay uno muy especial y que tiene una historia muy singular. Es el del italiano Giulio CACCINI. Este músico vivió en el S. XVI y trabajó durante casi toda su vida para los Médici de Florencia. Fue miembro activo de la famosa Camerata Florentina, grupo perteneciente al movimiento humanista formado por escritores, músicos y eruditos en general, y que tanta importancia tuvo en el Renacimiento. Cuando escuchamos su “Ave María” todos pensamos inmediatamente en este compositor. Sin embargo, lo más asombroso de todo es que CACCINI no compuso ni por asomo este AVE MARÍA.

En realidad fue compuesto en el S. XX (concretamente en 1970) por Vladimir Vavilov, un compositor ruso especializado en crear obras falsamente atribuidas a otros renombrados compositores. Este compositor realizó en 1972 una grabación de su “Ave María” en la que se reflejaba que el autor era anónimo. Sólo después de la muerte del compositor ruso ocurrida en 1973 se le atribuyó la autoría de la obra al músico italiano y así ha llegado hasta nuestros días, si bien resulta evidente que el estilo no se corresponde con la música del S. XVI. En cualquier caso, no es importante la paternidad de la obra, sino su enorme belleza y expresividad.

He seleccionado varios ejemplos vocales: La versión de un grupo vocal infantil llamado LIBERA y que aparece en el álbum Luminosa (2001) con Steven Geraghty como solista [1] Y las versiones de Charlotte Church [2] Hayley Westenra [3] Andrea Bocelli [4] Inessa Galante [5] También he seleccionado algunos ejemplos instrumentales: Una versión para Violonchelo [6] Cuarteto de Cuerda [7] Saxofón Soprano [8] Clarinete [9] y Guitarra [10]

En primer plano, podemos escuchar otra versión de Libera, aunque ésta aparece en el álbum New Dawn (2008) con Tom Cully como solista; Una versión de un coro llamado Sotto Voce / Una versión a cargo de Children Choir Raduga / Y otra versión muy especial para Violín.

LA CUCARACHA

“En una pequeña localidad, el concejal de cultura del Ayuntamiento decide crear una coral con algunos vecinos. No son muchos ni muy buenos, pero son muy entusiastas y, tras mucho esfuerzo, consiguen, bajo la batuta del propio concejal, hacer un concierto de presentación. En ese concierto interpretan una única obra; una breve canción muy conocida. El concejal, en calidad de director de la coral, la presenta al público:

- Ahora interpretaremos LA CUCARACHA.

El coro canta: La cucaraaa – cha, la cucaraaa – cha…

Aplausos.

Al cabo de un año y tras nuevos y esforzados ensayos, han conseguido incorporar a su repertorio una segunda canción que, en el concierto pertinente, el director presenta así:

- Ahora interpretaremos LA POLONESA.

El coro canta: La poloneee - sa, la poloneee - sa…”

[CHISTES, OCURRENCIAS, CURIOSIDADES Y ANÉCDOTAS DEL MUNDO DE LA MÚSICA Y LOS MÚSICOS]

LA CUCARACHA es una canción folclórica tradicional en idioma español, pertenece al género denominado corrido, que fue especialmente popular en México durante la Revolución mexicana. Fue durante la estancia de las fuerzas villistas en Monterrey Nuevo León cuando surgió un aire popular conocido actualmente en todo el mundo: LA CUCARACHA. Sin embargo, la canción ya es mencionada en 1883, y posiblemente ya existía hacia 1818. Aunque se especula que podría ser de origen español, no existe una fuente fidedigna para poder afirmar esto con certeza. Para más información, pincha aquí: [LA CUCARACHA]

Para ilustrar este apartado he seleccionado varios ejemplos: Un grupo de niños violinistas en el Conservatorio de Música de Puerto Rico [1] / Otro grupo de niños en un concierto en Hungría [2] / Una actuación de 400 jóvenes pertenecientes a una escuela de Bolonia [3] / Una originalísima interpretación con una simple hoja [4] / Una versión de la Orquesta de Cámara Femenil, que es una ensamble de música tradicional coreana [5] / Una actuación del coro de la universidad de Jaén [6] / Una auténtica exhibición virtuosística en una versión para piano [7] / Unas versiones para Banda de Música [8] [9] / Y una actuación de los Tritones Marching Band en el tercer concurso estatal de bandas de música en Puebla, Mexico [10]

En primer plano he seleccionado además: Una versión interpretada por los Alumnos de 3º B del I.E.S. Medina Albaida (Zaragoza); Una versión para Cuarteto de cuerda; Una breve pero significativa interpretación de uno de los mejores tenores del momento: Rolando Villazón y por último, otra versión para Banda de Música.

GERMAN BRASS

Un joven estudiante de flauta travesera llevó a su casa a su mejor amigo para mostrarle sus avances en el estudio del instrumento. A tal efecto tocó para él un largo solo. El oyente, al término de la interpretación, le palmeó el hombro y le dijo:

- ¡Casi nada, macho! Tendrías que haber tocado en la tele.

- Gracias – repuso el otro –. ¿De verdad lo crees?

- Claro, así podría haberla apagado.

[CHISTES, OCURRENCIAS, CURIOSIDADES Y ANÉCDOTAS DEL MUNDO DE LA MÚSICA Y LOS MÚSICOS]

Una de las formaciones musicales más prestigiosas de la actualidad es GERMAN BRASS, un conjunto de Viento Metal fundado en 1974. A principios de 2010 estuvieron de gira por España, concretamente en Alicante y Valencia. Pincha aquí si quieres más información sobre ellos: [GERMAN BRASS]

En primer plano he seleccionado uno de los vídeos más reproducidos de mi canal de YouTube (más de 27.000 reproducciones) y que es una adaptación para conjunto de metales de un concierto para violín de Vivaldi, inspirado a su vez en un concierto para clave de Bach: Concierto en Re Mayor BWV 672 (II. Larghetto). Pero antes de este vídeo, he seleccionado además una magnífica interpretación de la famosísima canción: “The Final Countdown” de EUROPE. Espero que os guste.

MÚSICA Y FÚTBOL

Después de varias horas de ensayo, el director, frustrado, dice: “Bien, comencemos por el quinto compás”. El primer viola reflexiona un minuto, mira a sus desconcertados compañeros y levanta la mano, diciendo: “Disculpe, pero nuestras partituras no tienen los compases enumerados”.

[CHISTES, OCURRENCIAS, CURIOSIDADES Y ANÉCDOTAS DEL MUNDO DE LA MÚSICA Y LOS MÚSICOS]

EL FÚTBOL también ha inspirado multitud de canciones. Seguro que nos acordamos de aquella canción que decía: “Me gusta el fútbol, los domingos por la tarde…” que aparecía en Canal + pero que en realidad es una canción mucho más antigua. Y seguro que todos recordamos la canción de Melendi, titulada asimismo: “Me gusta el fútbol”. También habrá quienes conozcan la canción de Molotov: “Canción para el fútbol mexicano”. Y quien no conoce a estas alturas las canciones de Oliver y Benji. También hay muchas canciones que, aunque no hablen expresamente de fútbol, están muy relacionadas con el deporte en general. Un ejemplo muy conocido es la canción de Queen: “We are the champions”. O las canciones de los mundiales de futbol, como aquella tan famosa de Ricky Martin: “La copa de la vida.” Y así un largo etc.

Pablo Sorozábal (Katiuska, La Tabernera del Puerto, La del Manojo de Rosas…) compuso una zarzuela titulada: DON MANOLITO. Cuenta la historia de amor entre el maduro Don Manolito y la joven Margot en un escenario de montañas y deporte. Don Jorge, el tío de Margot, propone al solterón de Don Manolito matrimonio con su sobrina. Éste se resiste, en parte porque no quiere dejar su soltería, y en parte porque considera su diferencia de edad demasiado grande. Margot, entretanto, está enamorada de Guillermo, un atlético, joven y guapo jugador de fútbol, que sólo piensa en sus aficiones atléticas y no siente por Margot más que una sincera amistad. Don Manolito se propone ayudar Margot en sus amores con Guillermo, pero poco a poco comienza a enamorarse de ella. [Por cierto, el equipo de fútbol se llama: Maravilla(s)]

Refiere el Diccionario de la Zarzuela que la censura impidió que la prensa madrileña publicara ningún artículo sobre el estreno de la obra, pese al piropo a Madrid que conlleva gran parte de la obra. En la romanza de Guillermo “Qué partido has perdido, chiquilla” se desliza la frase: “Al portero del Centro que está cara al sol”. Ese cara al sol es una respuesta del músico perseguido a los del brazo tieso. He aquí la letra completa de esta romanza:

¡Qué partido has perdido, chiquilla! ¡No tienes ni idea de cómo han jugao! Al principio me dió el "Maravillas" impresión de que estaba muy desentrenao. Pero apenas pasado un minuto al portero del "Centro", que está cara al sol, le cargaba Chiquirri, a lo bruto, y un centro de extremo se cuela en el gol. ¡Gol! ¡Gol! Desde entonces dominan los nuestros con furia, coraje y con gran decisión y se observa que ya los del "Centro", nerviosos, no saben ni darle al balón. El segundo fué un gol de bandera, no tuve en mi vida mayor emoción: Zufiaurre le pasa a Pradera, Pradera a Chiquirri y Chiquirri a Juanón.

Y Juanón lanza un tiro que da en el larguero; recoge Pichichi que pasa a Tonino, Tonino a Usabiaga, Usabiaga a Fitero, que corre la línea cual "Pákar" o "Rolls", y sigue corriendo como un torbellino y la pasa a Chiquirri y Chiquirri, ligero, la cede a Pichichi, y Pichichi a Tonino, y Tonino la cuela, por fin en el gol. ¡Gol! ¡Gol! ¡Todos gritan de emoción! ¡Yo no he visto jamás tan contenta a la gente! ¡A mi lado moría un señor de repente de un ataque al corazón! Y mil pechos entonaban satisfechos su canción: ¡A la bi! !A la ba! ¡A la bim, bom, ba! ¡Ra! ¡Ra! ¡Ra! ¡Alirón, alirón! ¡"Maravillas", campeón! ¡Campeón, campeón! ¡Campeón!

En primer plano escuchamos esta espléndida romanza de DON MANOLITO a cargo del bajo: Jorge (Giorgio) Algorta. Y para ilustrar la primera parte de este apartado he seleccionado también una canción muy popular en los años 40 [La Radio Orquesta Topolino la popularizó también en los años 80] titulada: “Tarde de Fútbol” interpretada por la cantante Rina Celi.

PAQUITO CHOCOLATERO

“… [Verano de 1937, en plena Guerra Civil] Una de esas tardes, llena de asfixiante calor, fue cuando, en plena conversación, Gustavo (G. Pascual Falcó) le enseña a su cuñado tres composiciones musicales. Le pide que elija una de entre las tres para que lleve su nombre. Paquito (Francisco Pérez Molina, nacido en una familia que era conocida popularmente por el nombre de Xocolaters, porque elaboraban y vendían chocolate, entre otros productos) las escucha con atención y sin dudarlo elige un pasodoble, alegre y dianero, que rima bien con su carácter festero. Este pasodoble es el que hoy en día conocemos como PAQUITO CHOCOLATERO…”

[Del libro: “GUSTAVO PASCUAL FALCÓ. UN MÚSICO, UNA ÉPOCA, UN PUEBLO”. Publicado en 1996, con motivo de la conmemoración del Cincuenta Aniversario de la muerte de Gustavo Pascual Falcó, autor del pasodoble: PAQUITO EL CHOCOLATERO // Fragmento incluido en el Boletín Nº 31 de la Banda de la Escuela de Música de Bullas]

PAQUITO CHOCOLATERO es una pieza musical compuesta originalmente para Banda de Música [1] [2] // Al igual que otros pasodobles (Suspiros de España, por poner un solo ejemplo) posee también una letra. Cantantes como Luis Lucena (se pude escuchar en iTunes) o Alejandro Conde [3] han realizado su propia versión // Creo que existe incluso una versión en francés [4] // La pieza es tan popular que ha sido adaptada de muchísimas maneras distintas. He aquí un ejemplo muy significativo [5] // Es muy importante tener en cuenta el contexto en el que se escucha esta pieza musical. No es lo mismo escucharla (y disfrutarla) en un ambiente de fiesta [6] que en una audición o en un concierto [7] [8]

En primer plano aparece un breve reportaje sobre este pasodoble; Un pequeño fragmento de una versión para Guitarra, Violín y Flauta travesera; Una versión interpretada por los Saxofonistas Sinfónicos de Toledo y, por último, una “adaptación” muy divertida y muy original de esta maravillosa pieza.