LA PANTERA ROSA (1963)

El baloncesto era su gran obsesión, pero su terca madre insistía en que aprendiese a tocar el piano y le obligaba a que siguiese una estricta disciplina de estudio. Un día, una visita le preguntó:

- ¿Has pensado ya qué quieres ser cuando seas mayor?

- Pues me parece… que voy a ser el primer concertista de piano de la NBA.

[CHISTES, OCURRENCIAS, CURIOSIDADES Y ANÉCDOTAS DEL MUNDO DE LA MÚSICA Y LOS MÚSICOS]

LA PANTERA ROSA es, originalmente, el nombre de un personaje de ficción, ligado a una película del año 1963, de igual título. Y no es en realidad la pantera, tal como la hemos conocido en los dibujos. En la película original de 1963 titulada LA PANTERA ROSA de Blake Edwards, la Pantera Rosa era un diamante de gran valor y, por extensión, también se llamaba así al ladrón de guante blanco que había logrado sustraerlo. Lo que pasa es que en esa primera película, se recurrió a una animación para ilustrar los títulos de créditos iniciales y finales de la película (por lo que nuestro amigo rosado no sale en ningún otro momento de la misma). Blake Edwards encargó al prestigioso animador Friz Freleng (creador de Bugs Bunny, Porky Pig, Piolín, El gato Silvestre, Sam Bigotes y Speedy Gonzales, entre otros) que crease un dibujo animado y sólo le pidió tres cosas: que fuera graciosa, muda y de color rosa.

La película fue estrenada el 20 de marzo de 1963 y el dibujo animado de los créditos había llamado tanto la atención que, no mucho después, el 27 de Abril de 1963, el dibujo ocupó la portada de la prestigiosa revista Times. Esto llevó a los productores a plantearse la viabilidad del personaje como dibujo animado, independiente de la película. Se hizo un cortometraje de animación con la pantera como protagonista, titulado The Pink Phink (Incordio Rosa) y ganó, a pesar del breve intervalo entre su estreno y la ceremonia de los Oscar celebrada el 13 de Abril de 1964, el Oscar al mejor cortometraje animado. El corto era, en realidad, el capítulo piloto para la serie de animación: La Pantera Rosa, que todos conocemos.

Después de la película de 1963 se realizaron muchísimas otras películas relacionadas con el mismo personaje. Podemos verlo muchísimo más pormenorizado pinchando aquí: LA PANTERA ROSA. Sin embargo, las resumimos a continuación: El nuevo caso del inspector Clouseau (1964), Inspector Clouseau (1968) El regreso de la Pantera Rosa (1975), La Pantera Rosa ataca de nuevo (1976), La venganza de la Pantera Rosa (1978), Tras la pista de la Pantera Rosa (1982), La maldición de la Pantera Rosa (1983), El hijo de la Pantera Rosa (1993), La Pantera Rosa (2006), La Pantera Rosa 2 (2008).

Uno de los elementos más identificables de La Pantera Rosa es la música del título y sus créditos, compuesta por Henry Mancini para la película original, y desarrollada con diversas variaciones en el resto de las series y películas. Se trata de un tema de jazz, con el saxo tenor como principal elemento instrumental. En Musicomanía (Boletines 19, 20 y 21) aparece todavía más información al respecto.

En la película de 1963 aparece también un 2º tema musical que está muy presente y que tiene casi tanto protagonismo como el tema principal. Nos referimos a: It had better be tonight (Meglio Stasera) De esta canción incluí bastantes versiones (incluida la impresionante versión de Michael Bublé) en el trabajo que realicé en 2008 titulado PARA MIS ALUMNOS - DVD 5.

En mi canal de YouTube podemos encontrar algunas escenas de varias películas referidas anteriormente. Podemos encontrarlas fácilmente si nos dirigimos a las listas de reproducción y pinchamos en: LA PANTERA ROSA (1963), LA PANTERA ROSA ATACA DE NUEVO (1976) y ESCENAS MUSICALES DIVERTIDAS, en la que encontraremos algunos ejemplos más. Pinchar aquí: LISTAS DE REPRODUCCIÓN. Todas ellas están recogidas en otro trabajo que realicé en 2009 titulado PARA MIS ALUMNOS – DVD 1.

Y para completar este apartado, he seleccionado en primer plano, dos escenas de la película de 1963: el inicio de la película con el Tema principal y la escena donde se canta la canción: It had better be tonight (Meglio Stasera) También he seleccionado una interpretación del tema principal a cargo del Cuarteto del CampRedó y un vídeo - montaje que he preparado especialmente para esta ocasión con el objetivo de ilustrar una versión instrumental de It had better be tonight (Meglio Stasera), de la que ya hablé en Musicomanía (Boletín Nº 21, pág. 6) y que también incluí en MI MÚSICA 5, un DVD que realicé entre 2006 y 2007 y que contiene alrededor de 78 horas de música en mp3.

CHURA LIYA

Un tipo entra en una tienda de animales y dice:

- Quiero un canario que cante.

- Tenemos éste que es extraordinario. Canta como Caruso, canta como ningún otro canario en el mundo. Eso sí, es bastante caro.

- No importa. Si canta como Caruso estoy dispuesto a pagar el precio.

- Muy bien, pero hay algo más. Tendrá que llevarse también este otro canario con él.

El comprador le echa un vistazo al miserable pájaro, que ha perdido la mitad de las plumas, tiene legañas en los ojos y no para de temblar como si estuviese enfermo.

- ¿Y por qué tengo que llevármelo?- le pregunta al vendedor.

- Porque es el que le hace los arreglos al otro.

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Una de las películas clásicas del cine indio es Yaadon Ki Baaraat, de la que ya pusimos un fragmento en la anterior entrada de este blog. La película es del año 1973 y su director es Nasir Hussain. La película fue un éxito de taquilla y todavía es recordada por la música que fue compuesta por R.D. Burman. En ella encontramos una de las canciones más famosas de Bollywood: CHURA LIYA, un tema cantado por Asha Bhosle y Mohammed Rafi, inspirada a su vez en la canción que popularizó Donovan en la película: Si hoy es martes, esto es Bélgica (1969) y que lleva el mismo nombre.

Para ilustrar este apartado he seleccionado en primer plano: La canción original, tal como aparece en la película Yaadon Ki Baaraat y 5 vídeos más.

ESTO ES BOLLYWOOD

- Un baterista, harto de que le tomen el pelo, decide cambiar de instrumento. Entra a una tienda de música y se queda un buen rato mirando los instrumentos. Luego le dice al vendedor:

- Mire, quisiera llevarme ese saxofón que tiene colgado de la pared y, ya que estoy, también voy a llevarme ese acordeón que está colgado debajo del saxofón.

- Oiga - le contesta el vendedor -, me da igual si quiere llevarse el extintor, porque no me sirve, pero el radiador no se lo puedo vender, porque aquí suele hacer bastante frío…

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BOLLYWOOD es el nombre dado a las películas indias realizadas por numerosos estudios cinematográficos en la ciudad de Bombay (India). Este término, acuñado en la década de 1970, proviene de un juego de palabras entre Bombay y Hollywood, el centro de la industria cinematográfica de los Estados Unidos. Bollywood es una pieza fundamental de la cultura popular de la India y el resto del subcontinente Indio.

La característica más representativa de las películas de Bollywood son sus escenas musicales. Por lo general, en cada película se incluyen cantos y danzas típicas del país, mezcladas con curiosas coreografías del pop occidental. Estas escenas aparecen siempre dobladas. Esto es propio de la tradición de esta industria fílmica, en la que primero se graban las escenas y luego se doblan todos los diálogos (es una práctica que facilita, asimismo, la posterior traducción a otras lenguas), lo que en la India (país plurilingüístico, donde se hablan 16 idiomas distintos ampliamente extendidos) resulta esencial. Las pistas musicales de las películas de Bollywood son producidas muchas veces por conocidos artistas. Hay entre ellos algunos famosos asiáticos como Nusrat Fateh Ali Khan, u occidentales como Andrew Lloy Webber. Es costumbre que la música de una película se lance al mercado meses antes de la difusión del filme. Es una forma de promocionar el largometraje, ya que, de este modo, es esperado con mayor interés por el público.

Para ilustrar este apartado he seleccionado en primer plano, cuatro ejemplos en los que podemos apreciar un poco la evolución desde los tiempos del cine clásico hasta el actual.

A MIS NIÑOS DE 30 AÑOS

Un joven regresó un día de la escuela y dijo, lleno de orgullo, a su madre:

- Mamá, hoy en clase hemos recitado el alfabeto y el único que no se ha equivocado ni una sola vez he sido yo.

- Eso es porque eres violinista - le dijo su madre.

Al día siguiente, el mismo joven llegó a casa igual de contento.

- Mamá, hoy hemos contado. Yo he llegado hasta ciento veinticinco y el resto de la clase sólo hasta ochenta.

- Eso es porque eres violinista – le dijo de nuevo su madre.

Un día después, el joven volvió de la escuela con el mismo talante de los días anteriores.

- Mamá, hoy nos han medido y soy el más alto de la clase. ¿Es porque soy violinista?

- No, cariño, es porque tienes veinticinco años.

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A MIS NIÑOS DE 30 AÑOS es un disco en el que aparecen las canciones más famosas de los payasos de la tele como: La gallina Turuleca, Mi barba tiene tres pelos, Hola don Pepito, Había una vez un circo, El barquito de cáscara de nuez, El auto nuevo, Feliz en tu día, Susanita, Los días de la semana, Cómo me pica la nariz… cantadas por Miliki y con la participación especial de: Miguel Bosé, Miguel Ríos, Celia Cruz, Emilio Aragón, Gabino Diego, Gomaespuma… además de la Orquesta Sinfónica de Praga. También es el título del primer corte que aparece en este disco, un medley sinfónico en el que se agrupan algunos de los temas que reaparecerán más adelante. Para ilustrar este apartado he elegido precisamente este medley sinfónico.

En primer lugar, escucharemos la interpretación de la Filarmónica de Olivenza. Esta banda de música, fundada en 1851, es la decana de las bandas extremeñas y una de las más antiguas de España. Es la única banda española de carácter civil que ostenta el privilegio de usar uniforme militar con ros y espadín, otorgado por la Reina Isabel II. Además de esto, a lo largo de su trayectoria ha obtenido numerosos premios y distinciones. Posee la Medalla de Extremadura 2001, por sus más de 150 años ininterrumpidos, dedicada a la enseñanza, fomento y desarrollo de la cultura musical. Y a continuación, escucharemos el mismo medley sinfónico en la versión para orquesta, tal y como aparece en el disco A MIS NIÑOS DE 30 AÑOS.

LA MÁQUINA DE ESCRIBIR

Durante la II Guerra Mundial, un músico fue llamado a filas. Inmediatamente se dirigió a la oficina de reclutamiento.

- Soy músico - se quejó -. No voy a ser de ninguna utilidad en el servicio.

- Se equivoca, amigo - repuso el oficial -. Usted inspirará grandes gestas a los soldados con su música. Imagínese en las trincheras, con la infantería, esperando para lanzarse al asalto de las posiciones enemigas, animando a sus compañeros de armas con su música para que luchen como héroes… Por cierto, ¿qué instrumento toca?

- El piano.

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LA MÁQUINA DE ESCRIBIR (The Typewriter) es una obra musical de Leroy Anderson. Este compositor es autor de numerosas composiciones, las más conocidas son pequeñas piezas livianas y novedosas, que de inmediato se hicieron famosas gracias a sus melodías contagiosas e ingeniosas. Entre ellas destacan, Jazz Pizzicato (1938), The Syncopated Clock (1945), Sleigh Ride (1948) etc… Y por supuesto: The Typewriter (La Máquina de Escribir, 1950). Está escrita originalmente para orquesta, aunque también se han realizado adaptaciones para otras formaciones musicales.

Para este apartado he seleccionado en primer plano: La versión original para orquesta, la interpretación de la Banda del Grado Profesional del Conservatorio de las Islas Baleares y la de la Banda de Música de la Facultad de Educación de Toledo. Por último, una secuencia antológica protagonizada por Jerry Lewis, de la película “Lío en los grandes almacenes”, en la que aparece también esta pequeña joya musical.

SCORPIONS

- He decidido vender la batería.

- ¿Y eso?

- Es que el otro día vi a mi vecino afilar un hacha en el patio.

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SCORPIONS es una banda alemana de hard rock y heavy metal, fundada en Hannover en el año 1965. Destacaron con canciones como Rock You Like a Hurricane, No One Like You, Wind of Change, o Send Me an Angel. La banda ha logrado vender entre 100 y 150 millones de álbumes en el mundo […] En el año 2000 graban junto con la Orquesta Filarmónica de Berlín, el disco Moment of Glory, con el cual vuelven a cosechar un gran éxito, ganando discos de oro y platino en Europa, sobre todo en España y Portugal. Para más información pincha aquí: SCORPIONS.

Para ilustrar este apartado he seleccionado dos de los vídeos que aparecen en mi canal de YouTube: CABALEROAMOR. También podemos acceder a ellos a través de una de las listas de reproducción del mismo canal. La lista de reproducción se llama: SCORPIONS Y LA FILAMÓNICA DE BERLÍN. Y los vídeos corresponden a las canciones Moment of Glory y Wind of Change.

LA FORMA TERNARIA

- ¿Cuántos técnicos de sonido hacen falta para cambiar una bombilla?

- Uno, dos… uno dos.

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LA FORMA TERNARIA es un mecanismo que da estructura a una pieza musical. Esa estructura consta de tres partes. La primera y tercera partes son idénticas o casi, mientras que la segunda es altamente contrastante. Por esta razón, la forma ternaria es frecuentemente representada como A - B - A. La sección contrastante B es usualmente conocida como Trío.

Al menos en piezas escritas antes del S. XIX, la primera sección de una pieza ternaria no cambia de tonalidad, y termina en la misma con la que comenzó (tónica). La sección media está generalmente en una tonalidad distinta, la mayoría de las veces en la dominante de la primera sección (una quinta justa ascendente). Tiene generalmente un carácter contrastante; por ejemplo, en una marcha, el altamente rítmico y estridente carácter de la marcha se contrasta usualmente con un trío más lírico y fluido. Es poco común, pero el trío puede estar también con diferente indicador de compás (contraponiendo 3/4 al 4/4 de la marcha, por ejemplo).

La forma ternaria, además de en las marchas, se encuentra bastante en arias operísticas barrocas (las llamadas arias da capo), y en muchasformas de danza, como las polkas escritas por la familia Strauss. También en la forma minueto (o scherzo), que en el periodo clásico se encontraba en el tercer movimiento de las sinfonías, cuartetos de cuerda, sonatas y obras similares.

Sin embargo, para ilustrar este apartado he seleccionado una pieza totalmente diferente a las mencionadas anteriormente. Se trata de Sharm Café (también conocida como Techno Tango) de Gabry Ponte. En ella podemos apreciar (salvando las distancias) la forma ternaria A B A, en la que la primera parte (A) tiene dos motivos principales muy interrelacionados, la segunda parte (B) corresponde al Tango y la tercera parte es en realidad una repetición de la primera parte, aunque se presente primero el segundo de los motivos principales, quedando más o menos de la siguiente manera: A^{1 - 2} B A^{2 - 1}.

Podemos escucharla pinchando aquí: Tecno Tango.

ASEREJÉ [THE KETCHUP SONG]

Este cantante era tan espantoso, que canjeaban cinco discos suyos por uno de Tamara (la mala).

Otro cantaba tan desafinado, que una vez se desmayó y en vez de volver en sí, volvió en La sostenido.

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ASEREJÉ es una canción de género pop e interpretada por la banda femenina española Las Ketchup. Este grupo alcanzó el éxito musical en 2002 precisamente con esta canción, un tema que fusiona el flamenco y el europop y que se convirtió en la canción del verano tras alcanzar el número uno en las listas de muchos países, entre los que se incluyen España, Reino Unido, Italia, Francia, Finlandia, Suecia, Noruega, Bélgica, Países Bajos, Portugal, Suiza, Alemania, Rumanía, Argentina, Perú, Cuba, Uruguay, Colombia, Venezuela, México, Brasil, Chile, Ecuador, Paraguay, y Puerto Rico. Como sencillo, se incorporó como una de las canciones más exitosas de la historia en todo el mundo, ya que vendió casi 7 millones de sencillos y se situó en el puesto 103 de las canciones más vendidas en la historia de la música a nivel mundial, según media traffic. El single consiguió disco de diamante en Francia.

La canción, que recibió el nombre de “The Ketchup Song” en los países de habla no hispana, estaba acompañada de una coreografía característica, y la letra recordaba en su estribillo a los primeros versos de la canción Rapper’s Delight de Sugarhill Gang, similitud evidente que el compositor de Aserejé, Queco, recreó de forma original realizando una parodia de la anterior. Para más información pincha aquí: ASEREJÉ y en los enlaces que allí aparecen.

Para ilustrar este apartado he seleccionado una maravillosa, original, divertida y “alocada” versión. Espero que la disfruten.

EL SUEÑO DE UNA NOCHE DE VERANO

Rubinstein aceptó en cierta ocasión escuchar tocar a una joven pianista. Terminada su interpretación ante el gran maestro, la pianista preguntó: “Y bien, ¿qué cree que debo hacer ahora?”. Y la respuesta de Rubinstein fue: “¡Cásate!”.

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EL SUEÑO DE UNA NOCHE DE VERANO es una obra musical escrita por el compositor Felix Mendelssohn, tomando como base la obra de teatro del mismo nombre escrita por el dramaturgo inglés William Shakespeare. Mendelssohn compuso esta obra en diferentes momentos de su vida. Entre el 8 de Julio y el 6 de Agosto de 1826, cuando su carrera estaba comenzando, compuso una Obertura de concierto y unos pocos años antes de su muerte, escribió el resto de la obra, la música incidental para una producción de la obra de teatro, en la que incorporó la obertura que escribió cuando solo tenía 17 años. De esa música incidental podemos destacar el Scherzo, el Nocturno y la famosísima Marcha nupcial. Esta última pieza es una de las más conocidas de este compositor y suele interpretarse junto a la Marcha nupcial de la ópera LOHENGRIN de Richard Wagner.

La tradición de tocar esta marcha nupcial comenzó con la boda de la princesa Victoria de Sajonia-Coburgo-Gotha con el príncipe Federico III de Alemania. Victoria, gran aficionada a la música, eligió ella misma las dos marchas que iban a sonar en su boda: la Marcha nupcial de Mendelsshon y la Marcha nupcial de la ópera Lohengrin de Wagner. Desde entonces, esta tradición se ha convertido en una de las más seguidas. De todo esto (y de lo ya apuntado en el apartado anterior) podemos deducir que las dos marchas nupciales más famosas que existen proceden en realidad del mundo del teatro. Para más información pincha aquí: EL SUEÑO DE UNA NOCHE DE VERANO.

Podemos escuchar a continuación la famosísima Marcha nupcial en su versión original. Y de las muchísima versiones o adaptaciones que se han realizado para todo tipo de instrumentos y para todo tipo de agrupaciones musicales, he seleccionado para esta ocasión una versión de jazz.

LOHENGRIN

Se dice que los buenos músicos interpretan música. Los malos, la ejecutan.

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LOHENGRIN es una ópera romántica en tres actos con música y libreto de Richard Wagner. Fue estrenada en Weimar (Alemania) el 28 de Agosto de 1850. Fue un éxito inmediato. Se la considera la más “italiana” de las óperas wagnerianas, incluso se acostumbra a interpretar en concierto algunas escenas y fragmentos de la ópera. Así, las partes más conocidas son los preludios del primer y tercer acto, el aria final de Lohengrin y la Marcha nupcial, que tradicionalmente se interpreta en las bodas de la mayoría de los países occidentales. Para más información pincha aquí: LOHENGRIN.

De las cuatro horas que dura aproximadamente esta famosísima y maravillosa ópera, he seleccionado precisamente la Marcha nupcial del Acto III en una versión de concierto. Pero antes, podemos escucharla también precedida por el Preludio del Acto III, exactamente igual que en la obra original (Preludio y Marcha nupcial) y sin ninguna separación entre los dos fragmentos.

AMIGOS PARA SIEMPRE

Puccini tenía la costumbre de enviar un panetone por Navidad a algunos amigos. Uno de ellos era Toscanini, pero poco antes de las fiestas ambos habían discutido y el compositor decidió no enviarle el panetone. Aunque, por error, el director lo recibió. Puccini, al saberlo, remitió un telegrama a Toscanini: “Panetone enviado por error. Stop.” Toscanini envió al poco tiempo otro a Puccini: “Panetone comido por error. Stop.”

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AMIGOS PARA SIEMPRE (Friends for Life) es una canción interpretada por José Carreras y Sarah Brightman escrita para los Juegos Olímpicos de Barcelona 1992, con música de Andrew Lloyd Webber (El Fantasma de la Ópera, Jesucristo Superstar, Cats). La letra, escrita por Don Black, está en inglés, excepto el estribillo que se repite en inglés, español y catalán.

Este tema fue interpretado durante la ceremonia de clausura de los Juegos. También se lanzó un single coincidiendo con este acontecimiento. Alcanzó el puesto 11 en las listas del Reino Unido. Está basada en la amistad entre los pueblos. En España la interpretación más famosa de esta canción fue hecha por el grupo español Los Manolos con una rumba en español y catalán, a excepción del estribillo. Alcanzó el número tres en las listas españolas. El dúo Azúcar Moreno también realizó una versión. Para más información pincha aquí: AMIGOS PARA SIEMPRE. Podemos escuchar a continuación la canción original interpretada por José Carreras y Sarah Brightman [1]

En primer plano he seleccionado cuatro versiones protagonizadas por la Orquesta Juvenil Salesiana, la Banda CCTT Stmo. Cristo del Perdón (Valladolid), la Banda de Música de Puebla de la Calzada (Badajoz) y la Banda de Música del Prat de Llobregat (Barcelona).

CANCIÓN DE CUNA - BRAHMS

- ¿Has oído eso de que Brown ganó 100.000 dólares tocando el violín?

- ¡Imagínate, 25.000 dólares por cuerda!

- ¡Pues es verdad! Imagínate que le hubiera dado por tocar el arpa.

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Canción de cuna en Mi bemol mayor, op. 49 nº 4. En 1868, Johannes Brahms publicó un cuaderno de cinco canciones. Una de ellas, la famosísima Canción de cuna nº 4 quizá sea la pieza vocal más conocida de este compositor. El texto proviene del Des Knaben Wunderhorn, la amplia recopilación de temas populares que realizaron Arnim y Brentano a principios del S. XIX:

“Buenas tardes, dulces noches; deslízate bajo la colcha, bordada con claveles, adornada con rosas. Mañana por la mañana, si Dios quiere, despertarás de nuevo.

Buenas tardes, dulces noches; los ángeles velan por ti, y en sueños te mostrarán el árbol de Navidad del niño Jesús. Ahora duerme tranquilo, dulcemente; contempla en sueños el paraíso.”

Cuenta el musicólogo francés Claude Rostand que el músico se inspiró en una canción popular que Bertha Faber le hizo conocer en Hamburgo. La pieza está dedicada al segundo hijo de aquella dama. En el catálogo de Simrock figuran hasta 17 transcripciones de varios tipos de esta berceuse, ocho de ellas para piano.

De esta nana o canción de cuna, también se han realizado infinidad de versiones. Sin embargo, para esta ocasión he seleccionado únicamente un solo ejemplo, quizá uno de los que más se acerca al espíritu original de esta maravillosa canción.

TU VUÒ FÀ L'AMERICANO

Un músico estaba paseando un día por el bosque cuando, de improviso, se le apareció un duende.

- Pídeme el deseo que quieras y te será concedido – le dijo al músico.

El músico se sacó del bolsillo un pequeño atlas y le señaló varios países en un mapamundi.

- Mira, aquí, y aquí la gente pasa mucha hambre, y aquí y aquí un sinnúmero de personas padece enfermedades. En este otro sitio se tortura a las personas, en regímenes dictatoriales que no respetan los derechos humanos. Deseo que todos los habitantes de estos países tengan salud y estén libres de la tiranía. ¿Puedes conseguirlo?

- Es una tarea demasiado dura – se quejó el duende -. ¿No puedo ayudarte en algo un poco más fácil?

- Bueno, yo soy intérprete de clarinete ¿sabes?, y lo paso fatal con la entonación en los registros altos. ¿Me podrías ayudar en eso?

- Anda, déjame echar otro vistazo al atlas.

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TU VUÒ FÀ L’AMERICANO es una canción compuesta en 1956 por Renato Carosone, uno de los más importantes cantantes italianos de canción napolitana y uno de los principales intérpretes de música ligera de la posguerra. Pincha aquí: RENATO CAROSONE. Esta canción, una de las más famosas, habla en modo satírico de la americanización de la sociedad italiana tras el final de la Segunda Guerra Mundial, satirizando las costumbres americanas… y lo hace en clave de swing – jazz, tan en boga en los años 50 en los Estados Unidos, aunque manteniendo su estilo napolitano. En concreto, la letra habla sobre un italiano que imita el estilo de vida de un americano de los años 50, bebiendo whisky con soda, bailando rock’n’roll, jugando al Baseball y fumando cigarrillos Camel pero dependiendo económicamente de sus familiares [1] En 2009, Yolanda Be Cool realizó un remix de esta canción, siendo actualmente una de las canciones de más éxito a nivel internacional [2]

Para ilustrar algunas de las muchísimas versiones que se han realizado de esta canción, he seleccionado en primer lugar la que aparece en la película: Totó, Peppino e le fanatiche (1958) en la que el pianista es Renato Carosone [3] A continuación, la que aparece en esta otra película: Sucedió en Nápoles (1960) en la que canta Sophia Loren [4] Y la que aparece en una película mucho más reciente: El talento de Mr. Ripley (1999) en la que cantan Matt Damon y Jude Law entre otros [5] Además, las versiones de Dany Brillant [6] Nieuwe Helden [7] y Alter Ego [8] Y para completar este apartado, estos dos vídeos en los que aparece, entre otras piezas musicales, esta maravillosa canción [9] [10]

En primer plano he seleccionado 4 ejemplos más: Una versión para Voz, Piano, 2 Saxos y Batería; una versión de Sophia Loren (es la que antes ha aparecido en la película Sucedió en Nápoles, pero en esta ocasión aparece en un vídeo distinto); una breve versión para Piano y una magnífica versión para Big Band.

TIE A YELLOW RIBBON

Señor director, le ruego que me disculpe por no poder asistir mañana al ensayo. Tengo que ir al hospital a recoger a mi esposa y a nuestro nuevo hijo. Le prometo que no volverá a pasar en toda la temporada.

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TIE A YELLOW RIBBON ROUND THE OLE OAK TREE (Ata una cinta amarilla alrededor del viejo roble) es una canción que popularizaron Tony Orlando y el grupo Dawn [1] Escrita por Irwin Levine y L. Rusell Brown, y producida por Hank Medress y Dave Appell, fue un enorme éxito en todo el mundo en 1973. Alcanzó el número uno en los EE.UU. y el Reino Unido durante cuatro semanas en abril de ese mismo año y el número uno en las listas australianas durante siete semanas entre mayo y julio de 1973. También fue el más vendido single durante ese año en los EE.UU. y el Reino Unido. Desde entonces se han realizado infinidad de versiones tanto vocales (en inglés y en otros idiomas) como instrumentales. La canción ha aparecido también en varias películas como Oficial y Caballero, Forrest Gump y La Familia Addams 2. Y pese a toda la polémica que suscitó la demanda de un periodista a los autores, la canción se encuentra en el puesto 37 en el Billboard de las mejores canciones de todos los tiempos. Pincha aquí: TIE A YELLOW RIBBON ROUND THE OLE OAK TREE.

La canción está basada en un hecho real. Básicamente, es la historia de un hombre que, estando en la cárcel, le escribe a su amada diciéndole que iba a salir en libertad. Para saber si ella todavía lo amaba, le pide que ate una cinta amarilla en el viejo roble (quizá el lugar donde se conocieron o donde se dieron el primer beso). Si al pasar por el pueblo veía desde el autobús que la cinta estaba allí, es que era bienvenido. Y si no estaba la cinta, pasaría de largo y seguiría su camino… Para su felicidad, encuentra, no una, sino cien cintas atadas en aquel árbol. Sin embargo, la canción tiene unas connotaciones mucho más amplias de las que comúnmente se cree. Ya que se la considera como un hermoso canto a la paz, de alguien que vuelve después de mucho tiempo a su hogar, a su tierra, a ver de nuevo el rostro de su familia y, para saber si es aún aceptado tiene que pasar en autobús delante de un viejo roble, y allí su familia habrá atado una cinta amarilla en señal de que no lo han olvidado. Cuando el autobús rebasa ese punto de la carretera, el hombre ve un árbol repleto de cintas amarillas y, emocionado, se da cuenta de que todo su pueblo, toda su comunidad, había atado una cinta en señal de espera, para luchar contra la desesperanza.

El origen de la idea de una cinta amarilla en señal de recuerdo pudo haber sido una práctica del S. XIX en la que algunas mujeres supuestamente habían de llevar una cinta amarilla atada en el pelo para significar su devoción a un esposo o novio que presta servicios en la caballería de los EE.UU. La cinta amarilla era el símbolo de la mujer que esperaba el regreso de su amado, que combatía en el frente, a casa sano y salvo. Hay una película que puede servir de magnífico ejemplo: La legión invencible (John Ford, 1949) cuyo título original es: She Wore a Yellow Ribbon (Ella llevaba una cinta amarilla), título a su vez de una canción y poema usado en una marcha militar popular estadounidense [2] El símbolo de una cinta amarilla llegó a ser ampliamente conocido en la vida civil en la década de 1970 como un recordatorio de un ser querido ausente, ya sea en el ejército o en la cárcel, y con la que se le daba la bienvenida a casa a su regreso. La canción que nos ocupa es, quizás, la responsable de aquel fenómeno social. La canción renovó su popularidad en 1981, a raíz de la crisis de los rehenes en Irán. En 1979 – 1980, mientras que los diplomáticos estadounidenses fueron retenidos por estudiantes iraníes en el recinto de la Embajada americana en Teherán, una campaña de Cinta Amarilla se utilizó para mostrar apoyo a los cautivos. Pese a que los estudiantes radicales trataron de convencer a los prisioneros de que sus compatriotas se habían olvidado de ellos, las cintas amarillas simbolizaron todo lo contrario. Para más información pincha aquí: Yellow Ribbon.

De las muchísimas versiones que podemos encontrar, he seleccionado algunos ejemplos vocales [3] [4] [5] [6] e instrumentales [7] [8] [9] [10] En primer plano he seleccionado también 4 ejemplos más.